La baraque à Fritz

La planète des singes

2010-01-13T15:34:00.007+01:00

Quelques images restent éternellement imprimées sur la rétine. La scène de la Planète des singes où Charlton Heston s'agenouille face à la statue de la liberté est l'une d'elles.
A vrai dire tout le film n'a rien perdu de son aura sur moi. Malgré quelques bons moments, les nombreuses suites sont elles dangeuresement nanardisantes et pourraient prêter à penser que les scénaristes ont cru qu'ils écrivaient leurs histoires non sur les singes mais pour de vulgaires singes de zoos.
Mais on regarde quand même car une sorte de lien ancestral et familier nous relie à ces êtres comme à de lointains cousins de province et la fascination pour cette inversion de l'évolution touche en nous quelque chose de profond qui constitue l'un des thèmes majeurs de la Planète des singes, notre prédominance.
Le livre de Pierre Boulle raconte que le singes ont pris le dessus sur les hommes en "singeant" leur comportement tandis que les hommes ne faisaient que stagner. Bon nombres d'analyses et certains épisodes de la saga cinématographique s'accordent sur le commentaire social de la Planète des singes qui représenterait la lutte entre les communautés ethniques dans un pays, en particulier aux Etats-Unis.
Quant à elle, la baraque à Fritz ne craint ni ne singe personne, elle trône seule au sommet de l'évolution bloguesque. Elle est là, avec la régularité d'une horloge pour vous délivrer quelques curiosités jamais vues ailleurs :
- La parodie de Mad des films de la Planète des singes

- La parodie de la série télé par Cracked magazine (magazine inspiré de mad)

http://fantasticflashbacks.blogspot.com/2009/07/1975-cracked-planet-of-apes-tv-show.html

- Les plus belles affiches internationales des films

- Les plus belles couvertures des comics (l'intérieur est à peu près sans intérêt) signées entre autres Ken Barr (Doc Savage).

La bataille des planètes

2009-04-21T16:51:00.002+02:00

Rendu populaire par le film de Tim Burton, Mars Attacks ! fut d’abord une série de 55 cartes à collectionner vendue avec un chewing-gum dans les années 60 aux Etats-Unis. Cette série est le fruit d’un travail collectif au sein de la firme Topps (les crados, wacky packages), de dessinateurs (Wally Wood, Bob Powell, Norm Saunders) et scénaristes (Len Brown et Woody Gelman) réputés ou anonymes. L’apparence des martiens a pas mal évolué entre les premiers dessins inspirés par Wally Wood et étrangement conservés pour l’emballage des cartes, à la version finale qui est plus proche d'un mélange du Metaluna mutant du film de 1955 This Island earth et d’une tête de mort. L’histoire est quant à elle ouvertement inspirée de la Guerre des mondes de H G Wells.

Même si ces cartes n’eurent pas un énorme succès à l’époque, l’aspect des martiens, la violence, et le léger érotisme de certaines images ont vite acquis un caractère sulfureux auprès d’enfants subjugués et de parents qui ne voyaient pas ça d’un bon oeil. Dans Alien Wolds 8 de 1984, Bruce Jones et Ken Steacy donnent un aperçu des réactions suscitées par ces cartes tout en composant une histoire respectant les codes des E.C comics.

Cette histoire est aussi disponible en français dans l’album Alerte rouge. Il est amusant de noter que Ken Steacy réalisera quelques couvertures pour un des comics Mars attacks ! sortis quelques années plus tard et imprimées sous forme de cartes hommages en compagnie d’autres dessinateurs réputés (Bolton, Bisley etc). Ces cartes n’ont par contre pas de lien narratif entre elles. Les rééditions, hommages et parodies (Crados, Bathroom buddies, Cracked magazine, Uranus strikes) des cartes Mars attacks ! sont d’ailleurs assez nombreux et ce billet n’a pas vocation à tous les recenser.
Seulement, je me dois de vous parler (vous fidèles lecteurs de la baraque à fritz) de son adaptation la plus inattendue, celle de Hector Oesterheld et Alberto Breccia. Publiée plus ou moins légalement dans les années 60 en Argentine, Marte Ataca ! a bel et bien inspiré deux grands noms de la bd mondiale qui créèrent à partir de 1971, une série de 100 cartes nommée « Platos voladores al ataque !!». Ces cartes étaient vendues cette fois non pas avec un chewing-gum mais avec des vignettes de foot. Bien que publié après l’Eternaute (1969), le style graphique de Breccia pour ces cartes n’est pas dans sa veine expérimentale. Les raisons sont sans doute liées au caractère alimentaire et grand public du projet ainsi qu’au soucis d’uniformité visuelle avec son fils Enrique et sa fille qui l’ont parfois assisté voire remplacé selon les rumeurs. Bien que de très bonne facture, les dessins souffrent un peu de la comparaison avec les cartes mars attacks, plus gores et bénéficiant de la finition au pinceau de Norm Saunders, grand illustrateur de pulps.
L’histoire raconte l’invasion de la Terre par les Plutoniens puis par les Saturniens, avec lesquels les Terriens avaient pourtant conclu un pacte pour chasser les premiers. Même si Oesterheld crée des scènes spectaculaires propres à plaire aux enfants, il développe un scénario plus complexe que l’original et fait même un peu de surenchère à partir de scènes de "Mars attacks !" , ce qu’annonçait déjà l’ajout d’un second point d’exclamation dans le titre "Platos voladores al ataque !!"

Compte tenu du caractère symbolique (comme la guerre froide) de bons nombre d’histoires de science fiction et de la forte conscience politique d’Oesterheld, qui le conduira à être « supprimé » par la junte militaire argentine en 1977, les lecteurs les plus audacieux pourront tenter une lecture politique de cette histoire ou au moins constater la reprise d'une idée de l'éternaute pour la carte "rostros de muerte".

Ces cartes devenues très rares aujourd’hui ont été rééditées en 2002 en Argentine accompagnées d’un livret en noir et blanc permettant une lecture en continue plus proche d’une bande dessinée. Hasard ou idée géniale, mon exemplaire contenait deux cartes en doubles et en les faisant défiler d’une main à l’autre, j’ai eu la brève sensation d’être un de ces enfants qui collectionnaient et échangeaient leurs cartes en double « Platos Voladores Al Ataque !! ». Un vrai voyage dans le temps et l’espace !

Matinee

2008-08-30T03:44:00.002+02:00

Bon nombre de cinéastes réputés ont redonné un semblant de respectabilité au cinéma de série B et plus généralement à la "sous-culture" en y faisant ouvertement référence. Chez nous, Franju et sa passion pour les romans feuilletons comme Fantômas fait un peu figure d’exception alors qu’on peut dénombrer dans le cinéma américain, moins élitiste, bien plus d’exemples. Citons Spielberg avec "Indiana Jones" ou encore Tim Burton avec "Mars Attack !" et surtout "Ed Wood" qui est une déclaration d’amour au cinéma de série B.
Matinee de Joe Dante, sorti en 1993 et un an avant Ed Wood y fait inévitablement penser. Le sujet est là aussi le cinéma de série B, et plus précisément, le cinéma d’horreur des années 60. On y croise donc un réalisateur, fictif cette fois, qui se démène pour exister en dehors des productions traditionnelles. Le réalisateur est inspiré de William Castle, réalisateur, acteur et producteur de films notamment d'horreur. Il est interprété par un excellent John Goodman qui n’est pas la vedette du film pour autant. La vedette c’est le cinéma: le film, la salle de cinéma, ses spectateurs etc. Un spectacle total, comme le concevait William Castle. Joe Dante, même s’il inscrit son film dans le contexte de la guerre froide, signe un film ouvertement nostalgique et s’amuse même à réaliser "Mant", un faux film d’horreur dont le thème et les dialogues délivrent une vision décalée du conflit et apporte par là-même une nouvelle grille de lecture pour tout ce cinéma. Joe Dante se plaît également à jouer avec le spectateur, voire à le faire réfléchir en entretenant une confusion sur sa place par une grande mise en abyme lors de la projection du faux film d’horreur.
Matinee est un film injustement oublié, sincère et qui comprend bon nombre de bonnes idées mais auquel un casting un peu meilleur aurait sans doute permis une meilleure carrière. Le film n'est par ailleurs pas aidé par ses éditions DVD de qualité médiocre.

lien vers la bande annonce:

http://www.youtube.com/watch?v=bZPDlUiqxss&feature=related

Disponible

2008-08-07T13:58:00.001+02:00

En cette période où les Jean-Claude Dusse envahissent les plages et les campings dans l’espoir de "conclure", il me semble opportun de parler de misère sexuelle dans la bd. L’un de ses plus illustres représentants est Joe Matt, auteur canadien de bandes-dessinées autobiographiques. Le voir lutter dans Strip tease et Peep show pour vivre une sexualité satisfaisante tout en s’enferrant dans ses erreurs était tout bonnement hilarant. Dans son dernier livre, Epuisé, le jeune queutard frustré laisse place à un quadragénaire fatigué dont le renoncement total, plus encore que la sinistre existence embarrasse le lecteur et suscite l'inquiétude sur son avenir d'homme et d'auteur.
Heureusement, la misère sexuelle s’est trouvée un nouveau héros en la personne du Sieur Sourdrille. Sa vie sexuelle est chaotique et le pauvre se voit même accablé d’une mère envahissante. S’il se met en scène comme Joe Matt dans ses histoires, il s’en distingue avec originalité en faisant régulièrement glisser ses histoires de la réalité vers le rêve, un peu à la manière d’un Winsor McCay auquel il rend ouvertement hommage en titrant certaines de ses histoires "la fondue galloise". Souffrance et frustration sont le pain quotidien de Sourdrille. D'autant plus qu’il croit en vain que c’est en endurant plus de caprices des femmes que ses concurrents qu’il arrivera à ses fins. Comme pour Joe Matt, on peut craindre que le renoncement prenne le pas sur l’énergie déployée à coucher avec des femmes et que la qualité des histoires en pâtisse. Mais le recours de Sourdrille au rêve et à l’imagination semble le prémunir contre ce problème. Et qui sait, c'est peut être dans le décalage entre la passivité et l'imagination débordante que Sourdrille pourrait trouver l'inspiration pour ses meilleures histoires. Son trait est lui déjà arrivé à maturité entre les premières histoires de Monsieur au style encore hésitant et son second album, Mesdames, parfaitement homogène. On espère donc retrouver bientôt Sourdrille dont le dernier album date tout de même de 2004 et qui a depuis gratifié les lecteurs du Psikopat de planches prometteuses.

En rouge et noir

2008-03-30T20:53:00.001+02:00

La bichromie a souvent servi de compromis entre l'économique Noir&Blanc et la plus coûteuse quadrichromie. Contraints de travailler en Noir&Blanc, certains grands dessinateurs comme Jose Munoz en ont exploités toutes les ressources et réussis à imposer des styles auxquels l'apport de couleur s'avère inutile voire déplacé. Cette créativité née des contraintes de publication est moins frappante pour la bichromie, sûrement parce qu'elle est moins courante. Toutefois on trouve dans cette courte bd de Carlos Trillo et Alberto Breccia une utilisation intéressante de la bichromie comme élément artistique et narratif. Parue dans le numéro 8 de la revue argentine Fierro (avril 85), elle est l'adaptation de la Gallina Degollada, une nouvelle de l'écrivain uruguayen Horacio Quiroga. Pour l'anecdote, on peut grâce à internet, s'amuser à visiter la maison de Quiroga et constater l'affichage des pages de Breccia bien qu'elles soient postérieures à la mort de Quiroga.

Blanc de peur

2008-03-09T23:17:00.002+01:00

Mi février est sorti le dessin animé Peur du Noir. Il s’agit d’un film collectif composé de séquences de Blutch, Charles Burns, Marie Caillou, Pierre Disciullo, Lorenzo Mattotti et Richard Maguire. Pour assurer la cohérence du projet et gérer les égos, la direction artistique a été confiée à Etienne Robial. Si ce n’est pas la claque attendue, ça reste au dessus ou au moins suffisamment en marge de ce qui fait habituellement dans les longs métrages d’animation pour valoir le coup d’oeil. Toutefois, et au risque de passer pour un grincheux, je me dois de signaler que Robial a réutilisé la même typographie pour l’affiche du film que celle dont il s’était servi pour l’émission "Ca se discute", que l’animation des personnages de la séquence de Charles Burns me rappelle celle de Bill dans le Big Deal et que la succession d’interrogations de Pierre Disciullo lues par Nicole Garcia sont plus agaçantes qu’autre chose. Caillou, Mattotti et dans une moindre mesure Blutch rendent une copie satisfaisante mais la meilleure séquence est de loin celle de Richard Maguire et Michel Pirus. C’est la seule qui joue et se joue vraiment habilement de la contrainte de départ : faire un film en noir et blanc autour de la peur du noir. On ne peut pas dire qu’on a peur mais on frissonne parfois. De mémoire, un personnage est dans une maison isolée à l'abris du froid et de la neige. Baignant preque dans le noir complet, le personnage entame sans le vouloir un inquiétant jeu sur le noir et le blanc dont il sera la victime. Le noir est tout ce qui n’est pas visible et donc potentiellement dangereux. Le blanc, qui est ce qui est visible, devrait rassurer mais suscite aussi l'angoisse car en plus de révéler des choses encore plus inquiétantes que ce à quoi on pouvait s'attendre, il accentue l'angoisse par sa fragilité et les faux semblants qu’il créé par l'éclairage partiel d'objets anodins prenant des aspects trompeurs et menaçants. Dans une certaine mesure ce sketch me rappelle la version d’Alberto Breccia du Cœur révélateur d’Edgar Poe au noir et blanc tout aussi radical. L’œil blanc du vieil homme qui obsède tant le meurtrier n’est certes pas l’objet d’une mauvaise vision mais d’un délire de ce dernier qui y voit tout de même plus que ce qu’il faudrait y voir. Notons enfin qu’il existe une version animée du Cœur Révélateur datant de 1956 narrée par James Mason. Elle est en couleurs mais pas une n’est de trop pour magnifier la noirceur de cette histoire.

Le diable hors de sa boîte

2008-03-06T14:30:00.003+01:00

Dans le prolongement de mon billet "Kids just want to have fun", laissez moi vous présenter "Mister Hyde : un beau petit diable", un grand gamin facétieux créé par l'Espagnol Alfons Figueras (1922-ça devrait pas tarder). Mister Hyde est une sorte de cousin éloigné de la famille Addams avec une filiation graphique du côté de Georges Herriman. Ce beau petit diable est un blagueur et la première blague qu’il m’ait faite est de me tromper sur son âge en se faisant passer pour un personnage de quelque vieux strip oublié de la première moitié du XXème siècle. Ce strip date pourtant des années 80. A priori, il n’y a pas de volonté de l’auteur d’induire en erreur. C’est tout simplement le style d’un dessinateur né au début des années 20 et qui n’a que peu changé depuis ses débuts et sa découverte de la bd américaine.

Ces près de 90 strips compilés chez Vaisseau d’Argent sont souvent drôles quoiqu’un peu répétitifs. Mais ça passe quand même car il se créé une connivence entre le lecteur et Mr Hyde qui l'associe à ses farces en lui jetant des regards complices. Mr Hyde c’est finalement le petit diable qui sommeille en chacun de nous mais qu’on préfère cacher (hide, hid, hidden!). Il s’en prend sans discriminations aux riches, aux pauvres, aux ouvriers, aux animaux et même aux enfants. Et fait appréciable, souligné justement par Christian Godard dans sa préface, il n’est jamais puni! La bd elle-même est une sorte de format à l'italienne pas complètement assumé car la couverture n'est pas dessinée dans le même sens que les strips.

prix conseillé: 5 euros

Home sweet home

2008-01-24T19:30:00.001+01:00

Pendant un moment, les médias nous bassinaient avec le phénomène "Tanguy", l’éternel étudiant suivant de brillantes études aux débouchées néanmoins assez floues dont les parents finirent par ne plus supporter la présence chez eux. Un peu comme pour le cas de l’œuf et de la poule, je ne saurais dire si ce sont les médias (journeaux, télé) ou le film qui sont à l’origine du phénomène médiatique. Disons qu’Etienne Chatiliez a donné un nom et un visage à ce début de phénomène et permis son amplification. Pardonnez ces approximations, le film date de 2001. Je reprends. Donc le phénomène gonflait, gonflait, presque autant que le film lui-même, c’est dire… Et puis quelques études ont été faites sur l’âge auquel les enfants quittent le domicile parental. Ils le quittent en moyenne à 21 ans, comme il y a 40 ans... Alors évidemment, je n’irais pas jusqu’à dire que le film Tanguy ne repose sur rien de concret mais il a bénéficié d’une couverture médiatique injustement plus importante qu’un film sorti quelques années auparavant et beaucoup plus proche de la réalité, Bad Boy Bubby (1993). Comme le démontre ce film, si des enfants quittent tardivement le nid, c’est parce qu’il sont séquestrés par leur mère qui les asservissent mentalement et sexuellement en leur faisant croire qu’il est trop dangereux de sortir de la maison sans masque à gaz. Les jeunes adultes ne quittent alors la maison pour s’assumer qu’après avoir dûment asphyxié leur mère avec du papier cellophane. Mais ça évidemment personne ne le dit, sauf la baraque à Fritz!

Un Roman peut en cacher un autre

2008-01-20T13:42:00.000+01:00

Afin d'apporter un peu de douceur dans ce blog de brutes, je vais maintenant vous parler du réalisateur de films d’animations russe Roman Kachanov (1921-1993). Dans un des rares articles qui lui sont consacrés, son rédacteur qualifie les courts métrages de marionnettes de Kachanov de "Cuteness overload of the highest order". Je ne suis pas loin de partager son avis. Attention, mignon ne veut pas dire niais. C’est beau, intelligent et plein de sensibilité. Certaines histoires de Kachanov comme Mama et Mitten sont aussi teintées d’un fantastique poétique et subtil. Il pose un décor réaliste dans lequel le personnage va basculer dans le fantastique par le changement d’un détail ou d’un point de vue.
Mama, Mitten et Pismo sont introuvables en DVD dans nos contrées mais disponibles sur youtube. On trouve aussi sur youtube Cheburaschka qui est aussi très mignon mais contrairement aux trois autres films, parlant et en Russe et par conséquent accessible à une plus faible audience.
Il y a tout de même un film de Kachanov disponible en France : "Alice et la troisième planète". Il se trouve en bonus du dvd de l’excellente "Reine des neiges" de Lev Atamanov. Alice, est un dessin animé pour enfants de science-fiction de 45minutes. L’intrigue est assez simple et elle sert de prétexte à la visite de planètes étonnantes par les héros. Ca fait très fin des années 70, psyché, notamment la musique. C’est donc un peu daté et ça ne vaut pas les films de marionnettes de Kachanov mais les passionnés d’animation y trouveront leur compte. Et puis c’est amusant pour une fois de voir des héros de SF qui ont des têtes de Russes et pas de mâcheurs de chewing-gums Texans. Pour l'anecdote, il y a un Roman Kachanov Junior qui est aussi cinéaste mais pour ce que google en montre, il semble qu'il ne s'inscrit pas dans la continuité de ce qu'à fait son père mais plutôt de Tarantino...

Alice et la troisième planète:

Des cabinets au cabinet de curiosités

2008-01-13T22:43:00.002+01:00

J’ai quelques bd bizarres dans ma bibliothèque. La plupart le sont délibérément. Pour d’autres, je n’en suis pas certain. Le cas le plus radical est celui d’un certain Fletcher Hanks dont la sortie d’un recueil de quelques unes de ses histoires publiées au début des années 40 pousse certains à le rattacher à l'Art brut. Moins radicalement, les premiers albums de nouveaux auteurs contiennent parfois une originalité qui se dilue un peu par la suite dans une plus grande connaissance du dessin et du langage de la bande dessinée. Je suis par exemple un grand admirateur d’Alex Varenne mais mon album préféré reste le tome 1 de Ardeur qui demeure le travail d’un Varenne presque débutant.
Moins connus que Varenne, Jose Abel et Frederic Charpier ont sorti dans les années 80 Brian et Alves, une série en deux tomes (en 1984 et 1989) ayant pour cadre la révolution russe dont le premier tome avait été prépublié dans Métal aventures. Brian et Alves sont deux aventuriers à la recherche d’un trésor et composant comme ils peuvent avec des évènements qui ne les concernent pas a priori. A série inconnue, auteurs inconnus donc je n’ai pratiquement rien trouvé sur les auteurs en plus des courtes biographies se trouvant dans le tome 1. On y apprend tout de même que Jose Abel est un dessinateur portugais ayant déjà une sérieuse expérience dans l’animation (Heavy Metal, les Maîtres du temps) et que Brian et Alves est sa première bande dessinée. C’est aussi le cas de Charpier, journaliste, qui publie des livres encore aujourd’hui. Le dessinateur Li-An leur consacre un billet sur son blog dans lequel un intervenant affirme que Jose Abel est mort deux ans après la sortie du tome 2. Je n’ai en effet pas trouvé de trace plus récente d’Abel qu’une participation à l’album collectif Transports Fripons datant de 1992.
Bref, Brian et Alves reste un petit ovni isolé et oublié. Ovni car le dessin d’Abel est un mélange improbable entre Enki Bilal et le style cartoon qui comprend son lot de déformations comiques des corps et des visages. La narration n’a par contre rien à voir avec Bilal. L’action, le mouvement, les gags et la multiplication de petites vignettes sont préférés aux grandes cases contemplatives. Par l’utilisation de plus en plus importante de hachures au cours du premier tome, jusqu’à l’emploi dans le second de couleurs rappelant celles de la Croisière des oubliés, la ressemblance avec Bilal est de plus en plus flagrante et accentue par conséquent le caractère singulier et étonnant de cette série. Plus complètement amateurs mais pas complètement pros non plus, Abel et Charpier concluent donc avec ce tome 2 une série qui ravira les amateurs de curiosités. Ne vous attendez pas à une rigueur scénaristique digne d’un Alan Moore, loin de là. Les rebondissements se succèdent comme dans un feuilleton mais au détriment de la cohérence de l’ensemble. Mais c’est peut être aussi ce qui fait le charme de cette série.

une planche du tome 1 et une du tome 2:

prix conseillé pour chaque tome: entre 5 et 6 euros

Kids just want to have fun

2008-01-09T21:39:00.000+01:00

Au cinéma, il existe bon nombre de films où les enfants tiennent un rôle inquiétant, en particulier dans le cinéma fantastique. Comment oublier les charmantes têtes blondes du Village des damnés? S’inspirant entre autres* des visions du jeune garçon dans Shining, Van Hamme créé pour la série Thorgal le personnage d’Alinoë. Alinoë est un garçon aux cheveux verts sortant de l’imagination du fils de Thorgal qui grâce à ses pouvoirs paranormaux parvient à donner chair à cette vision. Mais il ne maîtrise pas encore ses pouvoirs, si bien qu’Alinoë, après avoir été le copain de jeu qui lui manquait, échappe à son contrôle et met sa vie ainsi que celle de sa mère en danger. Soyons justes avec Van Hamme, comme dans la plupart des albums de Thorgal de cette époque, il s’en sort très honorablement, aidé par un Rosinski alors au mieux de sa forme.
Mais s’il est plaisant de voir des monstres aux corps d’enfants, la transgression suprême est de voir de véritables enfants totalement dégagés de toute contrainte morale et se comporter en véritables monstres. Le comportement psychopathe peut prendre alors chez les enfants des allures d’espiègleries totalement jouissives pour le spectateur ou le lecteur. Par exemple, dans le bon Fils (1993), Elijah Wood et Macaulay Culkin interprètent deux enfants aux caractères radicalement opposés. Le film n’est certes pas un chef d’œuvre mais malgré une fin très moralisatrice, il comprend quelques grands moments de cruauté et d’immoralité. Ainsi, Culkin après avoir volontairement provoqué un grave accident de la route s’explique avec Wood qui critique sévèrement son acte et le fait de l’avoir rendu complice:

"Henry (Macaulay Culkin): I feel sorry for you, Mark. You just don't know how to have fun.
Mark (Elijah Wood): What?
Henry: It's because you're scared all the time. I know. I used to be scared too. But that was before I found out.
Mark: Found out what?
Henry: That once you realize that you can do anything... you're free. You can fly. Nobody can touch you... nobody. Mark... don't be afraid to fly.
Mark: You're sick...
Henry: Hey, I promise you something amazing, something you'll never forget. Where's the gratitude?"

Culkin est donc une sorte d’esthète qui a déjà une véritable réflexion sur le bien et le mal. En cela, il va plus loin que Rhoda** dans La mauvaise graine (1956) de Mervyn Leroy qui ne tue que par avidité. La grande question du film est aussi de savoir si elle a hérité d’un "gène du meurtre" de sa grand-mère. Le raffinement de Rhoda réside moins dans son esprit (évidemment c’est une fille!) que dans son aspect. C’est une petite fille irrésistible, dans tous les sens du terme. Elle est jolie, coquette, polie et sait obtenir ce qu’elle veut des autres. Quand elle n’y parvient pas par ses sourires, elle élimine sans remords la personne qui se trouve entre elle et la babiole convoitée. Il n’y a pas de détournement de mineurs dans La Mauvaise graine mais clairement le détournement de références culturelles. Par exemple, les claquettes, qui appartiennent au monde joyeux des comédies musicales deviennent instrument de mort. De plus, l’utilisation de la musique rappelle celle qui est faîte par Fritz Lang dans M le maudit, le tueur d’enfants. Elle est associée au personnage principal et comme on associe "Peer Gynt" au film de Fritz Lang après l’avoir vu, on fait de même pendant un moment avec Au clair de la Lune*** pour la Mauvaise graine. En dehors de cet usage on ne peut plus cinématographique de la musique, la mise en scène et le jeu de quelques acteurs sont assez théâtraux. Toutefois ça tient en bonne partie d’un parti pris artistique du réalisateur et le salut des acteurs aux spectateurs à la fin du film est là pour le confirmer. Le film qui -rappelons le- date de 1956 ne va pas jusqu’à montrer Rhoda commettre ses crimes mais le récit dépourvu de tout sentiment de culpabilité qu’elle en fait à sa mère n’en est pas moins glaçant! Enfin, certains dialogues sont très bien sentis dont un entre Rhoda et le jardinier, un raté fortement névrosé qui lit pourtant clairement dans le jeu du petit monstre.

"Jardinier: Vous connaissez le bruit de la chaise électrique? Ca fait "ziiit". Et le courant vous grille les cheveux. En une seconde, comme un éclair. "ziiit!"
Rhoda:On ne condamne pas les petites filles à la chaise électrique…
Jardinier: Mais si! Il y’en a une bleue pour les petits garçons et une rose pour les petites filles!"

Hasard? En tout cas, transition parfaite car Mauvaise graine, est le titre d’un pilote d’un projet de long métrage d’animation de Stéphane Blanquet. Le sujet du pilote semble assez éloigné du film de Mervyn Leroy mais le reste de l’œuvre de Blanquet regorge d’enfants "diaboliques". On citera par exemple la Vénéneuse aux deux éperons****, album où des enfants commettent des actes particulièrement sordides. Il y a chez Blanquet un vrai plaisir à perturber le lecteur en fouillant au plus profond de l’ âme humaine pour en ressortir ce qu’il y a de plus dégueulasse. C’est d’autant plus inquiétant qu’il n’y a par contre peut être pas beaucoup à chercher pour tomber sur ces dégueulasses. C’est votre voisin, c’est vous, c’est moi! Ah ah ah! Bon…
Un autre qui aime bien rigoler c’est Tommy. Mais les autres n’ont pas l’air d’apprécier ses blagues. A leur décharge, il faut dire que c’est difficile de rire avec la tête explosée au pistolet laser. Voici donc (enfin!) pour conclure ce panorama non exhaustif des enfants diaboliques, l’histoire du facétieux Tommy:
Bad Tommy
Creepy 94 de 1978
Scénario : Roger MacKenzie et Nicola Cuti
Dessin : Martin Salvador

*Je pense notamment à “the boys with green hair”. Dans une des dernières scènes, le garcon aux cheveux verts est poursuivi par d’autres garçons tous "normaux". Dans Alinoë et toujours vers la fin, Jolan, qui lui est normal est poursuivi par une multitude d’Alinoë aux cheveux verts. Raisonnement peut être un peu tiré par les cheveux...

**photo de Patty McCormack dans le costume de Rhoda lors d’une séance de photo pour sa nomination aux Oscars de 1956.

*** évidemment une chanson non américaine!

**** prix baraqueàfritz de la meilleure bd de 2007

Good Tomi

2008-01-03T11:17:00.002+01:00

La baraque à Fritz veut votre bonheur. Non seulement elle vous ressort quelques pépites oubliées mais elle vous fait aussi économiser votre temps et votre argent. Si vous vous intéressez à l’animation et au dessin, vous avez peut être vu ou vous comptez voir au cinéma les Trois brigands, le long métrage adapté du livre illustré pour enfants de Tomi Ungerer. La baraque à Fritz vous en propose une version gratuite de cinq minutes. N’ayant pas vu le dessin animé en ce moment dans les salles, je ne me lancerai pas dans une analyse comparative très poussée. Mais ce qui saute aux yeux, c’est la plus grande fidélité des dessins et des couleurs dans la version courte. De plus, l’histoire est contée par un narrateur qui se charge aussi de la musique et des bruitages, comme un père lisant le livre à ses enfants.
Tomi Ungerer (1931 Strasbourg) est sans doute plus connu du grand public pour ses livres pour enfants que pour ses dessins satiriques. Dommage c’est un génie du genre. Je vous laisse admirer la collection en ligne qu’il a offerte à la ville de Strasbourg pour en juger. Il vaut mieux un bon dessin qu’un long discours...sur un dessin.
Comme si ça ne suffisait pas, même humainement, ce type a l’air parfait. Regardez par exemple ce documentaire tourné en 1997 au moment où il a offert sa collection de jouets à la ville de Strasbourg. Ca devrait faire réfléchir quelques collectionneurs...

...modernité

2008-01-01T19:48:00.000+01:00

scénario: Kmior Iicl
dessin: Rgio Dkyore
dans 9481 numéro 65

Tradition et...

2007-12-31T12:17:00.000+01:00

A la baraque à Fritz, on est pour le respect de certaines valeurs morales issues de la Bible et de la sagesse populaire. Ces valeurs doivent se perpétuer comme elles l’ont toujours faites et je mets un point d’honneur à y veiller. La différence c’est qu’aujourd’hui, je peux le faire par le biais de mon blog. Je vous propose donc deux histoires illustrant le même proverbe: "bien mal acquis ne profite jamais". Symboliquement, l’une est envoyé au dernier jour de 2007 et l’autre le sera au premier jour de 2008.
Les auteurs de ces deux histoires sont Espagnol et Plutonien, deux peuples qui partagent nos valeurs et par conséquent intégrables au peuple français.
Bonne année et bonne continuation

Max: El Vibora 49 et 50

1 degré de séparation

2007-12-27T17:37:00.001+01:00

En attendant un hypothétique article sur la 3D, je vous propose un voyage dans la 4ème dimension. La quatrième dimension ou Twilight Zone (1959-1964) est de loin la série télé qui m’a le plus marqué. Un des attraits de la série est que chaque épisode est indépendant. On découvre à chaque fois de nouveaux personnages, de nouvelles situations évitant ainsi toute routine. Bien entendu, sur plus de cent épisodes certains se ressemblent et il y a une marque de fabrique Twilight Zone avec ses fameuses fins chocs. Mais on retrouve au générique des épisodes de grands noms tels que Richard Matheson (dont vient de sortir au cinéma une nouvelle adaptation de Je suis une légende) qui enrichissent la série de leur "univers" personnel. En effet, certains épisodes sont légers, d’autres angoissants et même parfois politiques. Je vous présente ici "Servir l’homme" avec Richard Kiel (Moonraker) qui n’est peut être pas le meilleur mais un de ceux qui m’a le plus impressionné quand j’étais enfant. Aujourd’hui, je regarde cet épisode et j’y trouve une réflexion ludique sur la mise en avant de l’intelligence et du développement comme valeur première pour notre société.
Pour l’anecdote, il y a eu de nouvelles séries estampillées "Twilight Zone" et aussi un film en 1983. Le film est surtout connu pour la mort d’un acteur et de deux enfants pendant le tournage. Une bd de trois pages sur les circonstances de l’accident et à charge contre le réalisateur John Landis a été publiée en France dans Special USA 4 d’octobre 1983. Il est présenté comme responsable de l'accident par une prise de risque trop importante qu'il aurait imposé au pilote de l'hélicoptère qui s'est écrasé sur Vic Morrow et les deux enfants. John Landis a néanmoins été acquitté.

La deuxième partie de l'épisode est sur la même page:
La quatrième dimension

PS: Oui je suis un gros nase et je ne sais pas mettre les vidéos directement sur le blog.

La dernière séance

2007-12-24T21:01:00.000+01:00

C’est assez convenu de proposer une histoire de père noël pour le 24 décembre. Peu importe, l’originalité, je la laisse à Al Williamson qui signe avec "Mother knows best" son chef d’oeuvre en même temps que le plus grand huis clos de Science Fiction se déroulant à noël de tous les temps. Cette histoire est parue originellement dans Creepy (numéro 86 de 1977) le célèbre magazine d’horreur américain.
Son auteur, Al Williamson est un dessinateur américain né en 1931 qui s’est essayé à la Science Fiction dès le début des années 50 en participant avec d’autres légendes comme Wallace Wood, Frank Frazetta et Ray Bradburry (malgré lui) à l’aventure des EC Comics (Weird Science, Weird Fantasy etc). Cet admirateur de Raymond Poïvet et Alex Raymond s’est d’ailleurs vu confié momentanément la reprise de deux séries d’Alex Raymond : Agent secret X9 et Flash Gordon. Au moment de la création de "Mother knows best", Williamson était un dessinateur confirmé et s’était attaché les services de Bruce Jones, un jeune scénariste alors en plein succès ayant parfaitement intégré les codes des E.C Comics.
En France, le travail de Williamson est sans doute plus connu du lecteur lambda que son nom. Dans les années 80, il a réalisé plusieurs adaptations un peu trop serviles de films à succès comme Blade Runner et Flash Gordon. C'est assez cocasse pour le cas de Flash Gordon! Les amateurs francophones de Williamson ont quant à eux lu "A la fin de l’envoi" chez Futuropolis (1981) qui compile de courtes histoires parues dans Creepy. Cette bd comprend "Mother knows best" mais malheureusement deux pages de cette histoire sont illisibles. Une fois encore la baraque à Fritz (et son staff technique) est là pour réparer une injustice. Les obsédés du copyright pardonneront donc ce piratage qui est en réalité on ne peut plus chevaleresque pour ne pas dire "flashgordonnien". Enfin, je précise à l’intention de mes plus jeunes lecteurs que le titre de ce billet fait référence à feu l’émission de "ciné-club" présentée par Eddy Mitchell pendant une quinzaine d’année. Etant donné que c’est à lui qu’on doit la diffusion à la télé de la "Créature du lagon noir" en relief, il n’est pas impossible que j’en reparle dans un futur billet consacré à la 3D. De l’actu, rien que de l'actu à la baraque à Fritz!

Petite annonce

2007-12-21T21:16:00.000+01:00

Pour compléter collection, recherche slip Creepy numéro 2 taille Small en édition originale et en état neuf pour 500 euros maximum (on est pas des pigeons). Echange aussi slip Titeuf en bon état général (premier plat comme neuf mais légère trace de chocolat sur le 4ème plat) contre album (en EO) du prochain laureat des meilleures couleurs des Bdgest'arts.

Carlos et les grosses têtes

2007-12-19T21:35:00.000+01:00

Aujourd’hui je ne vous parlerai pas de la chaude Italienne que j’ai rencontrée. Pourtant Dieu sait que les chiffres de fréquentation du blog sont mauvais. Je ne vous prends tellement pas pour des cons que je vais vous demander de m’expliquer cette histoire. C’est tiré du numéro 2 de la revue argentine Fierro (1984). Les dessins sont de Carlos Nine et le scénario est de Enrique Amorortu qui se serait inspiré d’un passage d'un livre de Julio Cortazar.
Blanco y Negro

Khadafi mon ami

2007-12-16T13:34:00.000+01:00

Le traitement scandaleux réservé par la presse au colonel Khadafi lors de sa dernière visite à Paris a suscité chez moi quelques interrogations. Après tout, qu’a-t-on à lui reprocher? Une justice rapide et efficace que ne désavouerait pas l’ancienne candidate socialiste à la présidence française? Des mesures simples et avant-gardistes contre les gaz à effet de serre émis par les avions?
Je vous laisse seul juge. Mais l’amateur de bd, quel que soit son bord reconnaîtra au moins un mérite au colonel Khadafi. Il a lancé la carrière d’Attilio Micheluzzi. Micheluzzi le raconte dans un entretien accordé en août 1986 au journal A Suivre. Il y parle aussi de son parcours, de ses influences, de sa façon de travailler et de son prix à Angoulême pour Marcel Labrume en 1983. J’aime bien les bd de Micheluzzi et en plus de son franc parler (quoiqu'assez réac'), sa réaction face à cette récompense me le rend assez sympathique.

L'autre autre fin du monde

2007-12-06T22:23:00.000+01:00

Souvenez vous, c’était la fin des années 90 et des illuminés annonçaient la fin du monde au passage à l’an 2000 et cela au mépris des fuseaux horaires. Hollywood surfait sur la vague en sortant en 1998 Deep Impact et Armageddon, de bien nommés "films catastrophes". Quasiment au même moment sortait Last Night qui bien que partant de la même idée s’en démarquait radicalement en refusant ce traitement spectaculaire. Ce film réalisé et interprété par Don McKellar ne s’intéresse pas aux causes et à la crédibilité scientifique de cette fin irrémédiable mais à l’attitude de quelques habitants de Toronto face à leur mort imminente. Le rappel sobre mais régulier de l’heure au cours du film prend la forme d’un implacable compte à rebours et suscite d’autant plus d’intérêt chez le spectateur pour les dernières heures des personnages. Parmi eux, certains décident de vivre pendant le temps qu’il leur reste ce qu’ils auraient peut être mis une vie à faire voire ce qu’ils n’auraient jamais osé tenter. D’autres continuent de mener leur vie exactement de la même manière peut être pour contenir leur angoisse ou pour se convaincre que l’existence qu’ils ont menée jusque là a un sens. Leur comportement apparaît d’autant plus décalé que dans les rues, violences et vandalisme se multiplient. Le personnage principal, un jeune veuf est lui déjà un peu retiré du monde et c’est pourtant, ironie du sort, par le biais d’une rencontre dû aux évènements qu’il sortira de sa léthargie pour aimer une dernière fois.

Les femmes n'ont jamais su faire un créneau.

Penser à rappeler à Monsieur Dupont que son abonnement se poursuit après la fin du monde.

Alors, coucher avec des naines siamoises albinos, ça c'est fait.

Un taxi pour l'Espagne

2007-12-02T16:21:00.000+01:00

Les lecteurs les plus attentifs de ce blog auront remarqué que ces derniers temps le nom d’El Vibora y apparaît de plus en plus régulièrement. El Vibora était un magazine espagnol créé à la toute fin des années 70 (1979-2005) et qui se spécialisait dans la bd "indé". La magazine a ouvert ses pages à la crème des auteurs étrangers de l’époque : Spiegelman, Burns, Tatsumi, Deitch, Willem, Caro, Swarte, Liberatore, Masse etc. El Vibora reposait néanmoins sur la participation récurrente de quelques auteurs locaux dont les albums sont parvenus jusqu’en France par le biais des éditions Artefact : Nazario avec Anarcoma, Max avec le Carnaval de Cerfs et Peter Pank, Calonge avec Ghetto ou encore Marti avec Taxista.
J’ai choisi cette fois de vous parler de Taxista, série emblématique des belles années d'El Vibora. Taxista est un personnage détestable. Comme De Niro dans Taxi Driver, il est un chauffeur de taxi réactionnaire (pléonasme?) qui voudrait débarrasser la ville de la racaille. Pour cela, il se tient toujours prêt à kollaborer avec les autorités. Mais ce justicier est bête, intolérant, mesquin et violent et finalement aussi minable que les truands qu'il combat. Les aventures de Taxista sont sordides et amusantes à la fois car Marti pose un regard ironique sur son personnage. Il ne faut donc pas s’étonner que Cornélius, dans la lignée de la publication de Nécron, prévoît de publier l’intégralité de Taxista dont le tome 2 est encore inédit en France.
Le trait de Marti est inspiré de Chester Gould (Dick Tracy) mais il peut aussi faire penser aux premières bd de Daniel Clowes, ce qui n'a pas échappé à l’éditeur de la réédition espagnole dont la couverture rappelle certaines de celles d’Eightball, le comics de Dan Clowes. Il est à noter que Marti vient de sortir Calvario Hills, un nouveau titre de la collection Ignatz, conjointement diffusée par Vertige Graphic (France), Fantagraphics (USA) et Coconino Press (Italie). Comparée aux Etats-Unis, la collection Ignatz est un peu en panne en France. Pour lire Calvario Hills, il est donc nécessaire de parler Anglais ou Italien. Que fait la police? Nul doute que Taxista, en bon citoyen, l’a déjà prévenue.

prix conseillé: entre 5 et 8 euros compte tenu de l'édition de Cornélius à venir.
un extrait en espagnol:

Anarcoma, une fille qui a des couilles

2007-11-29T23:46:00.000+01:00

J’aime bien les faits divers. Certains ont inspiré de grands auteurs qui ont su tirer du cas particulier une vérité générale sur l’homme et la société. D’autres sont tellement délirants qu’ils se suffisent à eux mêmes. Cette semaine, on apprend qu’un certain Nicolas Panard, ancien travesti et transformiste aurait assassiné 18 personnes au cours des années 80 et 90. Ce personnage haut en couleur m’a rappelé que je devais évoquer sur ce blog un classique de l’underground espagnol des années 80: Anarcoma de Nazario.
Contrairement à ce que dit l'intitulé de ce billet, Anarcoma se définit comme un pédé avec des seins et non comme une femme avec une bitte. Il ou elle ne manifeste pas une fois par an pour ses droits avec le ministre de la culture. Sa vie est un manifeste. A son programme, le droit de se prendre des grosses bittes bien dures et cela par tous les moyens. Anarcoma terrasse tous ceux qui se mettent en travers de son chemin.
Des deux albums de la série (Anarcoma et Cultes), pas grand-chose à dire sur les intrigues un peu approximatives pleines de savants fous ou de sectes aux motivations totalement délirantes. Ce ne sont que des prétextes à un déferlement inouï de violence et de sexe. Ce qui fait l’intérêt de ces deux albums c’est surtout une énergie et une jubilation dans le mauvais goût qui ne sont pas sans rappeler les premiers films trashs de John Waters.
Cette bd politiquement incorrecte n’est donc pas à mettre entre toutes les mains. Elle est conseillée aux psychopathes, aux professeurs de lycées catholiques et aux amateurs de bd déviantes en général.

Prix conseillé pour chaque tome : entre 5 et 12 euros.
un extrait en espagnol:

Deconstructing Torres

2007-11-10T14:18:00.000+01:00

La série Roco Vargas de Daniel Torres contient pas mal de clins d’œil à la culture américaine. Son héros lui-même est une sorte de héros à l’américaine mais latinisé. J’émets l’hypothèse que le nom et le physique de Vargas viennent du personnage de Mexicain joué par le très Américain Charlton Heston dans la Soif du Mal d’Orson Welles. On trouve d’autres références au cinéma américain des années 40-50 dans Roco Vargas. Par exemple, comme Humphrey Bogart dans Casablanca, Roco Vargas est le propriétaire flegmatique d’une boite de nuit. On croise aussi le temps d’un épisode un personnage aux traits de Robert Mitchum, acteur emblématique de cette période. Torres n’oublie pas non plus de saluer certains maîtres de la bd américaine comme Milton Caniff et Alex Raymond. Dans l’étoile lointaine, on voit un jeune Vargas tenant un comics de Flash Gordon. Saxxon, personnage central de la saga rappelle quant à lui Hogan dans Steve Canyon de Milton Caniff. Les femmes de Caniff ont aussi grandement influencé Torres. Torres s’explique un peu sur la place du héros américain dans son œuvre (A Suivre 98) :
« Lorsque j’ai abordé la bd, je me suis efforcé de réfléchir aux problèmes que sa pratique soulevait, aussi bien du point de vue du dessin que de celui du scénario. L’un des axes de ma réflexion a notamment porté sur le rôle du héros. J’ai principalement étudié les grands héros mythiques de la bande dessinée américaine et, côté scénario, je me suis intéressé au travail des auteurs européens de l’école belge. Ensuite, et après avoir combiné ces deux éléments, les influences graphiques que j’avais subies, j’ai décidé de créer un nouveau type de personnage, une sorte de héros moderne. »
Les influences de Torres ne sont donc pas uniquement américaines. Il prend ici et là ce qui l’intéresse et le fusionne pour créer son propre style. Ces références graphiques reconnues sont elles assez déconcertantes. Il cite dans A suivre 98 des dessinateurs et un illustrateur espagnols peu connus en dehors de leur frontières que je vous laisse le soin de découvrir par vous même: Benejam, Coll et Opisso.

N.B: L'image de cet article est tirée de the Art of Daniel Torres

Le tour de Torres en 17 couvertures

2007-10-11T09:39:00.000+02:00

En attendant un billet plus complet sur Daniel Torres, je vous offre (virtuellement!) en guise d'amuse bouche la totalité des couvertures que Torres a dessiné pour feu Cairo (1981-1991), le magazine espagnol consacré à la "linea clara". Torres est le meilleur ambassadeur de la ligne claire espagnole. Il fait partie de ces artistes à la frontière entre bd populaire et d’auteur. C’est pour cela qu’en France ses œuvres ont été publiées par des éditeurs grands publics comme Casterman et plus pointus comme Futuropolis.
En dehors de quelques auteurs nationaux pratiquement inconnus chez nous, la ligne éditoriale de Cairo était très proche d’A Suivre. Malheureusement, les couvertures de Cairo dessinées par Torres n’ont jamais été utilisées par A Suivre, privant le public français d’un aspect de son travail. Heureusement la baraque à Fritz est là, certes un peu tard, pour remédier à cette situation. Notez au passage l’évolution du style de Torres.

Jubilatore 2

2007-10-04T11:33:00.001+02:00

Mise à jour: la version française de "Confiné" et sa version américaine censurée dont il est question dans Spécial Usa 7.

Jubilatore

2007-10-01T19:17:00.000+02:00

Liberatore est une étoile filante dans le petit monde de la bd. Il y fit une entrée fracassante au début des années 80 avec Ranxerox dont le mauvais goût et le mauvais esprit assumés contrastaient avec la tradition puritaine de la bd franco-belge. Il disparut presque totalement dans cette même décennie jusqu’à sa réapparition furtive en 1996 pour la sortie de Ranxerox 3, scénarisé par Alain Chabat pour lequel il concevra quelques années plus tard les costumes du film "Asterix et Cléopâtre". Dans une interview accordée à Spécial Usa n°7 d’avril 1984, Liberatore exprime déjà sa lassitude pour la bd et son envie de ne plus se consacrer qu’à l’illustration. Il y parle aussi de Video Clips, album réunissant des histoires courtes créées avant et peu après Ranxerox. Cet album permettait de dresser un premier bilan de sa jeune carrière. Il apparaît aujourd’hui comme la preuve d’un énorme gâchis tant ses courtes histoires étaient prometteuses en ce qu’elles prouvaient que Liberatore pouvait exister en dehors de Ranxerox. Seule une de ces histoires est scénarisée par Liberatore et comme il le confie lui-même dans l’interview "ça se voit". Cette difficulté à être un auteur complet et la mort prématurée de son complice et principal scénariste Stefano Tamburini en 1986 a sans doute précipité son retrait de la bande dessinée. Aujourd’hui, il nous reste tout de même Ranxerox, concentré délectable d’ultraviolence et Video Clips, album que tout amateur de Liberatore se doit de posséder. Et si vous avez déjà tous ces albums, la baraque à Fritz vous offre en exclusivité une histoire titrée justement Video Clip et à ma connaissance inédite en France. Ces pages, dont on peut déplorer l’absence dans l’album Video Clips sont extraites du numéro 30 (1982) de la revue espagnole El Vibora.

Prix conseillés: entre 8 et 15 euros pour Video Clips, entre 5 et 8 euros pour les différents tomes de Ranxerox en rééditions.

Route 666

2007-09-15T14:33:00.000+02:00

Ca fait quelques temps que je suis les sorties du collectif suisse Elvis Studio et en particulier celles d’Helge Reumann dans des revues comme Lapin ou Kramers Ergot. Je me suis donc précipité sur la réédition d’Elvis Road par Buenaventura Press, livre hors normes dont les pages se déplient pour former une seule longue page de plus de 7 mètres de long sur 23 cm de haut.
On compare ici où là cette bd à Ovni ou les Trois Chemins de Lewis Trondheim mais ce livre ne fonctionne pas de la même façon. A la différence de ces deux livres, on ne suit pas de personnage en particulier. On assiste plutôt à un foisonnement de saynètes, un peu comme si on traversait la ville en métro aérien. Sauf qu’ici on ne croise pas de moukère ramenant ses commissions mais en vrac, des hommes poissons, des néonazis, des chirurgiens fous et même Jésus fils de Dieu.
Les névroses des personnages semblent s’être réveillées toutes à la fois et forment autant de notes de cette sorte de grande symphonie apocalyptique dirigée par l’Elvis Studio. Elvis Road évoque aussi certaines toiles de Jérôme Bosch dont le Jugement Dernier sauf qu’ici même Jésus a l’air mal barré. De plus, les icônes de la "pop culture" et les monstres de notre histoire récente (Hitler, le gourou de la secte Aum etc) remplacent les démons sortis de l’imagerie populaire moyenâgeuse.
On peut voir dans Elvis Road une certaine critique sociale mais pas une œuvre moralisatrice. C’est avant tout une plongée dans les esprits torturés et néanmoins pleins d’humour de Reumann et Robel.

prix conseillé: environ 16 euros d'occasion frais de port inclus sur amazon.fr

Avec le temps...

2007-08-18T13:30:00.000+02:00

Il y a quelques mois je m’amusais à faire concourir les pires clones de Richard Corben. Depuis, je suis tombé sur d’autres de leurs pages toujours aussi peu inspirées, sauf bien sûr par Corben. J’ai même découvert d’autres imitateurs dont j’ai déjà oublié les noms. Mais je ne m’attendais pas à ce que le meilleur imitateur de Corben ait justement été découvert grâce à un concours. Il s’agit d’un certain Xavier Solà, qui obtint en 1982 le deuxième prix d’un concours ouvert aux amateurs par le magazine espagnol, Zona84. A la décharge de Solà, il était mineur au moment des faits et avouait alors dans sa lettre de présentation adressée au magazine qu’il était très inspiré par le maître. De toute façon, il n’aurait pu tromper les rédacteurs d’un journal publiant très fréquemment des bandes de Corben. Si Solà n’a rien à dire, son deuxième prix en dit long sur ces concours.
Je me suis demandé ce qu’avait pu devenir ce Xavier Solà, son cas étant peut être symbolique. Je disposais d’une photo de l’époque et de quelques informations (année et lieu de naissance). Les informations trouvées sont rares et quasi inutilisables pour moi car en catalan. C’est surtout la photo qui m’a convaincu. Visiblement il est un peu complexé par ses oreilles qu’il cachait sous sa tignasse et qu’il planque maintenant sous un casque de radio. Il semble qu’il soit depuis 18 ans animateur dans une radio régionale catalane. S’il n’aura pas eu l’audience internationale de Corben, on peut dire qu’il s’en est sorti avec dignité. On ne peut pas en dire autant du fameux Raul Martin Demingo. Une recherche sur google m’indique qu’un Raul Martin est spécialisé dans les illustrations de dinosaures mais dès la première page de résultats de google, je tombe sur une polémique dans laquelle il est accusé de pomper allégrement sur d’autres dessinateurs. C’est signé ! Qui a dit que Raul Martin n’a aucun style ? Macedo a lui pris un bon coup de vieux mais il soigne toujours son bronzage; c'est le principal. Quant à Herb Arnold, il a disparu de la circulation. Qui s'en plaindra?

Toucher le fond

2007-08-16T00:04:00.001+02:00

La mise en abyme est un procédé stylistique qui consiste généralement à représenter une œuvre dans une œuvre de même type (wikipedia). Bien utilisée, elle permet un jeu ou une réflexion sur le média utilisé. Pour le cinéma, on pense par exemple à la Rose pourpre du Caire de Woody Allen ou au Voyeur de Michael Powell. En bd, les premiers titres qui me viennent à l’esprit sont Julius Corentin Acquefacques de Marc Antoine Mathieu ou certains textes autodépréciatifs de Chris Ware disséminés à divers endroits de ses livres (étiquettes, résumés etc). Une utilisation assez banalisée de la mise en abyme est celle du personnage ou de l’auteur s’adressant directement au lecteur. C’est un peu ce qu’a fait Filippo Scozzari avec le Dahlia bleu, adapté du film écrit par Raymond Chandler.
A la dernière page, Scozzari se représente en assassin de Chandler, lui reprochant de lui avoir fait perdre un an de sa vie sur une intrigue merdique. On le comprend un peu. L’histoire finit sur quelques pirouettes car le script n’était pas bouclé quand débuta le tournage du film. Le film et la bd ne sont pas mauvais pour autant car la qualité du Dahlia bleu tient plutôt à ses ambiances et ses dialogues. Cette conclusion de Scozzari est touchante et amusante à la fois car on sent une réelle colère et frustration. L’autodépréciation n’est pas a priori une facette de sa personnalité comme elle peut l’être pour Chris Ware. Elle a donc forcément plus d’impact. De plus, ce gag opère une violente rupture de ton par rapport au reste de cette bd légèrement ronronnante. On peut se demander ce que Scozzari est allé faire dans cette galère. Pratiquement inconnu en France, il est pourtant avec Liberatore et Mattioli un acteur important de l’underground italien des années 70-80, très axé sur la provoc'. En Italie, le Dahlia Bleu a d’ailleurs été réédité récemment, signe d'une certaine reconnaissance.
Pour conclure, au prix où on trouve aujourd’hui cet album, j’en conseille quand même la lecture. Les adeptes de Chandler et de série noire seront peut être ravis. Après tout, certains scénarios de films avec Humprey Bogart ne tiennent pas plus la route. Les autres se consoleront en se disant qu’ils détiennent une bd Oubapienne. Un gag qui demande 80 pages de préparation, ce n’est pas si courant ! Et si Scozzari n’est pas un virtuose du dessin et que la bd est très mal imprimée, son style possède un certain charme.

prix conseillé: entre 4 et 8 euros.

Kraken, une série monstrueuse

2007-08-09T18:36:00.001+02:00

Non Jordi Bernet n’est pas que le dessinateur de Torpedo. S’il a un peu gâché son talent ces dernières années avec Claire de Nuit, il ne faut pas oublier tous ses excellents albums des années 80 dont le méconnu Kraken. Peu avide de séries en général, Kraken m’aura pris aux tripes tout au long des quatre tomes. Segura signe pour Kraken des scénarios d’une noirceur abyssale pour lesquels le choix de Bernet au dessin apparaît lumineux...
Le décor de la série est les égouts de Métropol, la ville la plus pourrie de la planète, dans lesquels vit le Kraken, monstre qui se nourrit de tout ce qui débouche dans les égouts, hommes et déchets. Le lieutenant Dante et le reste du groupe d’action souterraine sont chargés de surveiller le Kraken et d’arrêter les rebus de la société qui se livrent dans le réseau tentaculaire des égouts à toutes sortes d’exactions. Le ton de Kraken est résolument noir mais Segura ne livre pas pour autant une vision manichéenne de l’humanité. On voit dans le destin des malfrats que le choix entre le bien et le mal se joue souvent à peu de choses, une erreur judicaire, la nature qui s’acharne. Le lieutenant Dante se perd parfois lui-même dans les notions de bien et de mal et rend alors la justice avec son pistolet, en toute illégalité. La disparition du Kraken à la fin de la série arrive heureusement pour lui avant qu’il ne tourne du mauvais côté comme l’ont fait certains de ses collègues.
On sent chez cette génération espagnole des Abuli, Segura, Bernet une forte influence américaine. Dans Kraken, Segura se permet d’ailleurs un hommage à Orson Welles dans la Soif du mal. Mais cette influence n’est pas écrasante, ils ont su développer leur style, de la même manière que l’ont fait les Italiens avec le western spaghetti. Kraken est donc une série à redécouvrir de toute urgence, au risque de trouver bien fades la plupart des autres polars existant en bd. Mon seul bémol sur cette série vient du choix des Humanos et de Soleil de la publier en couleurs alors qu’elle était parue en Espagne en noir et blanc. Pour vous consoler, la baraque à Fritz vous offre une histoire en noir et blanc de deux pages inédite en français.

prix conseillés: environ 6 euros pour les 3 tomes parus aux Humanoïdes associés. Entre 10 et 15 euros pour le tome paru chez Soleil.

Tête haute, mains propres

2007-08-07T12:16:00.000+02:00

Je suis un grand admirateur d'Hergé et de Jacobs. Leurs oeuvres marquées du sceau de la modernité et de l'impertinence ont séduit des générations de collectionneurs. Une des preuves de la modernité de Tintin est que les albums n'ont jamais été retravaillés. Ce sont des pépites brutes sur lesquelles le temps n'a pas de prise. Apprenez aussi qu'au Japon, le manga est en perte de vitesse au profit de Tintin et Blake et Mortimer. Durant mon dernier voyage à Tokyo, j'ai pu mesurer l'ampleur du phénomène. Là bas tout le monde sait parler français grâce aux albums de Tintin. A peine arrivé sur le plancher des vaches, on me demandait déjà: "Missié, toi y'en a avoir nouveaux albums Tintin pour petits jaunes?". Touché par leur enthousiasme de simples sauvages, je n'osais leur avouer que l'oncle Rémi était depuis longtemps au Walhalla avec son ami Léon Degrelle. Mais Tintin et Blake et Mortimer sont encore bien vivants dans nos cœurs.
Dans un monde sans valeurs où règne la vulgarité, il est bon de se pencher sur ces œuvres d’une pureté exemplaire. A l'heure où on parle de castration mentale pour les délinquants sexuels, doit on rappeler que ces auteurs se la sont appliqué à eux-même il ya déjà un demi-siècle pour notre plus grand bonheur de lecteurs. En cela aussi, on peut dire qu’Hergé et Jacobs sont résolument modernes.

Les gravures démodent

2007-07-29T00:27:00.003+02:00

Comme beaucoup d’amateurs de bandes-dessinées rendus sceptiques par les rayons nouveautés des librairies, c’est justement en me plongeant dans son patrimoine que je parviens à renouveler mon intérêt pour celle-ci. L’éditeur en ligne Coconino fait ainsi un travail fantastique en mettant à la portée de tous, des œuvres peu connues qui ne circulaient plus qu’entre collectionneurs avertis. Mais même si des efforts sont réalisés pour rendre l’utilisation du site agréable, je regrette de ne pouvoir tenir les livres dans mes mains, d’en tourner moi-même les pages et de m’arrêter sur l’une d’entre elles sans risquer une conjonctivite.
C’est donc avec enthousiasme que j’ai appris l’existence de rééditions sur papier et à prix démocratiques par Dover Publications d’œuvres de Frans Masereel (1889-1972), Lynd Ward (1905-1985) et Otto Nückel (1888-1955). Ces trois artistes respectivement Belge, Américain et Allemand ont en commun d’avoir publié dans l’entre deux guerres ce qu’on a appelé des "romans sans paroles" ou "romans en images". C’est Masereel qui fut le premier à créer un de ces livres en noir et blanc en employant la technique de la gravure sur bois. Dans ces livres où la narration se fait par l’image, la page de gauche restait vierge et la page de droite ne comportait qu’une seule gravure. Contrairement à IMHO qui a aussi réédité "Destin" de Nückel, Dover a pris le parti de faire sauter les pages vierges pour que se suivent toutes les gravures. On pourrait s’interroger sur le bien-fondé du choix de Dover qui fausse un peu le débat possible sur leur affiliation à la bande dessinée en donnant d’emblée aux livres un aspect plus proche de celui d’une bd. Mais, Lynd Ward dans une édition intégrale de ses oeuvres qu'il a supervisée a procédé de la même façon et a même permis d'imprimer deux gravures par pages.
Si l'on considère ces livres comme des bd, The city (1925) de Masereel peut par exemple s’apparenter à ce qu’on qualifierait aujourd’hui de bd d’avant-garde. Le sujet et en quelque sorte le personnage est la ville elle-même. Ses habitants, ses quartiers et les évènements qui s’y déroulent ne sont que des composantes de la ville. On ne s’attarde sur le sort d’un individu que le temps d’une gravure. La vie n’est pas rose pour tout le monde et ce sentiment est renforcé par un noir et blanc franc et expressioniste. Si leur vision est aussi pessimiste et politique, Otto Nückel et Lynd Ward s’intéressent eux au destin d’un ou deux personnages. Comme Masereel, Ward emploi la technique de la gravure sur bois alors que pour Destiny (1930), Nückel grave sur du plomb. Malgré des techniques différentes, ces deux auteurs semblent vouloir se différencier de Masereel par un travail sur le gris. Dans Gods’man (1929) et Mad man’s drum (1930), Ward use d’un symbolisme volontairement appuyé pour exprimer des idées ou pour caractériser les personnages, en particulier dans "Mad Man’s drum" qui repose sur une trame plus complexe et un plus grand nombre de personnages. De son côté, Otto Nückel, sans doute le plus féroce des trois, a une approche qu’on pourrait rapprocher du naturalisme.
Attention, ces livres ne sont pas que des curiosités et conservent toute leur force. Et si l’on devait chercher une descendance actuelle à ces artistes, on pourrait la trouver dans certains livres comme Flood d’Eric Drooker et The System de Peter Kuper qui sans utiliser la technique de la gravure et bien qu'adoptant le découpage de la bd, rappellent tout de même un peu par leurs thèmes, le ton et leur narration sans textes les romans en images. Enfin, on peut surveiller à la rentrée la sortie du livre Graphic Witness qui comporte des œuvres de Frans Masereel, Lynd Ward, Giacomo Patri and Laurence Hyde. De quoi parfaire sa connaissance des premiers et découvrir deux autres graveurs.

Mon lecteur

2007-07-22T12:37:00.000+02:00

Parfois les bloggers rencontrent leur lecteur, à leurs risques et périls... Ainsi le blogger s’entendra dire par son lecteur qu’il n’est pas très ceci, pas assez cela. Le lecteur lui débitera toutes sortes d’opinions définitives sur la vie, la géopolitique et la cuisson des pâtes. Ce même lecteur n’hésitera pas quand il s’agira de musique, à justifier ses préférences par la citation des relais vaguement culturels de la pensée unique. D’abord amusé par cet enthousiasme tout juvénile qui fut aussi le sien, le blogger sera bientôt un peu irrité. Lui qui en a vu d’autres, sans pour autant porter ses expériences en bandoulière, se demandera même rapidement si ce début de douleur au crâne est un effet de l’alcool ou de son interlocuteur. Il se rappellera alors que la dernière fois qu’il s’est posé cette question, son interlocuteur était une interlocutrice et qu’elle avait de beaux seins. Il regardera furtivement son lecteur et sera traversé par un léger sentiment de tristesse. Plus tard, le blogger ira dormir. Lui qui ne voit plus depuis longtemps dans l’alcool un moyen de s’affirmer pratique la modération et se réveillera frais comme une rose. Il écrira dans la journée un nouveau billet sur son blog pour se moquer gentiment de son lecteur puis retournera vaquer à ses occupations.

Pour un fixe de Rand Holmes

2007-07-18T05:58:00.001+02:00

La bd canadienne bénéficie ces dernières années d’une certaine reconnaissance, notamment grâce au succès de l’éditeur canadien alternatif Drawn & Quaterly. L’éditeur a permis l’émergence d’auteurs comme Seth et Chester Brown qui ne trouvaient pas leur place dans la production standardisée nord-américaine. On ne peut pourtant pas réduire l’underground canadien à ces auteurs ni à cette génération. Le Canada a aussi été secoué par la contre-culture des années 60-70. On pense alors à Rand Holmes (1942-2002) et à son personnage emblématique Harold Hedd, hippie toujours en quête d’une bonne défonce. On peut faire un parallèle entre l’évolution de cette série et celle de la carrière de Rand Holmes. Au début, Harold Hedd apparaît comme une série ouvertement contestataire, ancrée dans un certain contexte politique. Le maire de Vancouver est ainsi régulièrement ridiculisé. Par la suite, la fiction et le divertissement prennent le pas sur la satire et la série s’achève avec La Coke du Führer en une sorte de MAD pour adultes. Ce serait toutefois une erreur d’analyser cette évolution comme un reniement de soi-même ou une compromission au système. Holmes n’a fait que revenir à ses premiers amours, les comics de Wally Wood. Holmes a en effet excellé dans des histoires de SF rappelant celles des E.C Comics dont Wood fut une figure de proue. L’influence graphique la plus subtile de Wood sur Holmes est la manière de dessiner l’intérieur des vaisseaux spatiaux par un jeu d’ombres et de lumière sur les parois et les appareils de bord (1, 2). Si l’influence de Wally Wood sur Rand Holmes est notoire, on ne peut les confondre pour autant. Contrairement à Wood, Holmes n’avait pas d’assistant et toutes ses planches sont empreintes d’une identité graphique forte dont une des spécificités est son utilisation très personnelle du jaune et du vert. Et s’il s’est écarté de la contestation pure, Holmes s’accordera toujours dans ses histoires une grande liberté de ton. La France peut se féliciter et surtout féliciter Fershid Bharucha d’avoir édité les œuvres les plus importantes de Rand Holmes. Chères fraîches, la Coke du Führer et Planètes pas nettes sont non seulement d’excellents albums mais également un bon moyen de suivre l'évolution artistique d’un auteur à découvrir si ce n’est déjà fait.

prix conseillés: entre 6 et 9 euros pour Planètes pas nettes, 7 et 11 euros pour la Coke du Führer et entre 18 et 25 euros pour Chères fraiches.

Je reste dans mon lit douillet

2007-07-15T00:34:00.001+02:00

Rien de tel qu'un dessin de Reiser pour la fête nationale. Admirez l'alignement des usines, des habitations et des tombes. C'est beau comme un défilé du 14 juillet ou comme des étagères de collectionneurs de bd moyens. C'est ça le paradoxe, ça lit de la fantasy mais ça manque cruellement de fantaisie. Pour vous, les rêves doivent rester bien rangés, voire enfermés dans des pochettes plastiques pour ne pas qu'ils s'évadent! Vous voulez en disposer quand bon vous semble, pour vous épargner une remise en cause de vos vies que vous préférez paisibles plutôt que de les risquer à rendre les rêves possibles. Vous n'êtes même pas les singes de votre idéal, à peine une cellule. Oui messieurs les ronds-de-cuirs et vous témoins complices, je l'avoue je ne range pas mes bd et je n'ai pas peur de le dire. Un jour, on me fusillera pour cette audace! On fera alors une bd de ce drame et vous serez sincèrement émus. Mais vous rangerez néanmoins l'album à sa place sur son étagère et dans sa pochette plastique. Ce jour là, vous m'aurez enterré une deuxième fois, protozoaires!

Vive les soldes!

2007-07-11T12:18:00.000+02:00

Pour parler des soldes et de bd, on peut dire que les héros de bd ne les font pas souvent. Il suffit de voir le temps qu’a mis Tintin pour troquer sa culotte de golf contre une paire de bloudjinnzes. On peut aussi tout simplement parler des bd qu’on a achetés d’occases ou en soldes. Commençons par le hors série n°2 de 1986 de l’écho des savanes (3 euros). Comme mise en bouche, on trouve de quoi se dérider avec un classique de Vuillemin, une aventure de Marc Edito, cinq dessins inédits de Squeak the Mouse du trop rare Mattioli, un "touchant" plagiaire de Liberatore et quelques planches cochonnes de Necron que notre exigence morale et bédéphilique nous interdit de lire dans une autre version que celle éditée par Cornélius dans le respect de la mise en page originale voulue par l’auteur Amen… Le gros morceau, c’est une aventure complète de plus de 40 pages de Maurice le Cow-boy de Kamagurka et Herr Seele qu'on retrouve dans l'album édité par Albin Michel en 1986. Maurice doit avec ses faibles moyens intellectuels percer le mystère du "gang des offreurs de chevaux". La mission du héros donne déjà un aperçu du ton de la bd mais rien ne vaut des extraits (voir images). En matière d’humour con, c’est avec Pierre la Police ce que j’ai lu de meilleur.
Dans un autre registre humoristique, qui peut surpasser Winshluss si ce n’est lui-même ? Pour en juger, il faut se procurer Top Shelf asks the big questions. Sortie près d’un an avant Smart Monkey, cette revue (12 euros 50) permet de découvrir une version légèrement différente et surtout beaucoup plus courte que celle éditée par Cornélius. Visuellement, cette version est peut être encore plus belle. Le reste de la revue est de bonne facture avec "TNT" de Mahler, quelques auteurs d’Atrabile à lire en suisse anglais, de multiples hommages en bd (Seth, Ware etc) à Charles Schulz d’un intérêt variable et puis d’autres histoires d’auteurs moins réputés.
Pour un peu moins du prix d’un demi, j’ai pu lire aussi dans "C’est pas tous les jours fête" de Guerse et Pichelin, les "aventures" de deux "non-winners" qui passent leur vie à en boire. C’est Rémi qui régale ! Rémi c’est un peu tout le monde et personne en particulier. C’est le RMI. Mais heureusement Guerse et Pichelin n’ont pas le RMI triste. Ils cherchent à profiter de la vie. Et il est plutôt marrant de suivre la façon lamentable dont ils s’y prennent.
Pour finir, dans le panier de la ménagère, on trouvera Meder (6 euros 50) de JC Menu, bd autobiographique. Enfin, des fois on se demande.

MISE A JOUR: 5/10/2007

Virée en bus avec Paul Kirchner

2007-07-02T20:48:00.000+02:00

De son propre aveu, la carrière de Paul Kichner a été chaotique. Après avoir été l'assistant de Wally Wood à ses débuts, il tenta de gérer tant bien que mal les projets personnels et ceux qui permettent de payer les factures. C’est pourquoi on trouve dans sa bibliographie des bd faisant la promotion de jouets (G.I Joe, Dino Riders, Power Rangers) et "The Bus", chef d’œuvre méconnu, prépublié de 1978 à 1985 dans Heavy Metal. Cette série de strips surréalistes sans dialogues raconte presque invariablement la même histoire, celle d’un quinquagénaire chauve et binoclard qui prend le bus. Graphiquement c’est aussi dans The Bus que Kirchner est à son apogée en évitant un style réaliste parfois un peu trop glacial. Cette série a été compilée aux Etats-Unis et en Allemagne mais malheureusement pas en France. Le seul album de Kirchner publié en France est « Contes à rebours » qui est un recueil d’histoires courtes. La plupart mettent en scène Dope Rider, un squelette cow-boy et toxicomane. La lecture est rendue un peu difficile par des scénarios trop délirants et les nombreux palindromes prononcés par Dope Rider qui sont sans doute inadaptables en français. En dehors de The Bus, Kirchner a publié quelques courtes histoires dans des magazines comme Epic Illustrated. A mi chemin entre l’œuvre personnelle et la commande se trouve « Murder by remote control », scénarisé par Janwillem van de Wetering, auteur de polars et spécialiste du zen. Le résultat est assez étonnant et divertissant sans pour autant marquer les esprits.

prix conseillé: se trouvait à une époque en téléchargement sur emule, environ 6 euros avec les frais de port dans l'édition allemande au format livre de poche sur amazon.de, en anglais difficilement trouvable en dessous de 30 euros (hors frais de port) mais déjà vu autour de 20 euros sur internet.

Quoi de neuf l'ami?

2007-06-23T14:35:00.001+02:00

De l’animation au cinéma il n’y a qu’un pas que Mike Judge, le créateur de Beavis et Butthead, a franchi en 1999 avec Office Space (35 heures c’est déjà trop). La transition a été d’autant plus facile qu’Office Space est une adaptation libre de Milton, un de ses propres courts métrages d’animation. Cette comédie est une satire des grosses boites d’informatique et plus globalement du monde du travail. On y croise des managers inutiles qui débitent invariablement les même phrases toutes faites, un souffre douleur et puis Peter Gibbons, un cadre moyen qui décide un beau jour de faire la grasse matinée plutôt que d’aller faire son boulot de con avec des cons. Heureusement, chez Initech, Peter a deux amis (ou deux très bons collègues), Michael Bolton, nerd fan de rap pour qui l’homonymie avec un « clown sans talent » est un vrai fardeau et Samir Nagheenanajar dont aucun de ses collègues n’arrive à prononcer convenablement le patronyme. Les deux amis de Peter le mettent donc en garde face aux risques de licenciement surtout qu’Initech est en pleine restructuration. Mais la notion de mérite échappe à la logique des consultants (Bob et Bob) chargés de dégraisser le personnel et les cartes vont être redistribuées de manière étonnante. On suit donc le parcours de Peter Gibbons dans sa vie professionnelle et affective. En dehors d’une introduction d’anthologie, le film est assez classique dans sa forme. La qualité du film tient surtout au scénario et aux dialogues. Certaines scènes font l’objet d’un culte de la part des fans, comme celle ou les trois compères finissent par massacrer l’imprimante qui leur pourrit la vie au bureau. En 1H25 tout est dit mais si vous voulez faire des heures sups, vous pouvez aussi jeter un coup d’œil aux versions anglaises et américaines de la série The Office.

Tu Shary Flenniken !

2007-06-20T14:34:00.000+02:00

Les femmes sont peu nombreuses à embrasser la carrière d’auteur de bd et à embrasser les auteurs de bd tout court. Elles préfèrent généralement servir de caution féminine dans les gouvernements de droite. Parmi les quelques auteurEs de bd doivent bien se trouver des tacheronNEs mais la plupart sont talentueuses et ont livré des œuvres personnelles et marquantes comme Daddy’s girl de Debbie Drechsler ou Persepolis de Marjane Satrapi. Shary Flenniken appartient à une autre génération que celles-ci. Elle est issue de l’underground américain des années 70. Son œuvre la plus connue est Trots & Bonnie qui met en scène l’innocente Bonnie, son chien qui parle Trots et Pepsi, une amie plutôt... délurée. Sous une allure naïve, cette bd aborde des sujets adultes comme le sexe et la politique. L’effet produit par le décalage entre le ton et l'image est décapant. En français, il existe un album de Trots & Bonnie chez Comics USA. On peut regretter qu’il ne compile que des histoires en couleur de Flenniken mais cet album est indispensable de par sa qualité et car il n’existe pas de recueils en anglais de Trots & Bonnie, publié à l’origine dans des journaux et magazines (National Lampoon). Notons enfin un autre album en français de Flenniken, « Sexe et amour » sorti aussi chez Comics USA. On y retrouve l'humour décalé et provocateur de Flenniken mais pas le charme de Trots & Bonnie.

prix conseillé: environ 5 euros.

ll est fort Bayard!

2007-06-03T00:17:00.001+02:00

Je vous parlais il y a quelques semaines des enquêtes en bd de l’inspecteur Robillard parues dans les années 60. Toujours à la pointe de ce qui se fait dans le 9ème art, je vais maintenant vous parler d’une série de bd-enquêtes qui a commencé dans les années 90, l’inspecteur Bayard d’Olivier Schwartz. Comme son nom l’indique, il est sans peur et sans reproche. Quand on porte le patronyme de son éditeur, il est en effet recommandé de ne pas se comporter comme le Jeune Albert. On ne reprochera pas aux auteurs (Dieter et Cabanau puis Fonteneau au scénario) un ton moins libre que celui de Chaland puisque ces aventures sont ouvertement dédiées à la jeunesse et publiées dans Astrapi. Le trait par contre lui doit beaucoup comme le confie Schwartz lui-même dans cette interview. L’ombre d' Hergé plane aussi sur ce héros à houppette qui rechigne à passer par les portes. Enfin, on notera que la façon de poser les devinettes change au cours de la série. Par exemple, dans certains tomes, c’est à la fin de l’enquête que l’on peut répondre à la devinette alors que dans d'autres, les devinettes sont tout au long de l’enquête pour voir si le lecteur est attentif à tous les détails. Si les devinettes peuvent parfois laisser sceptique, cette série est tout de même un sympathique divertissement, malin et drôle, ce qui n'est finalement pas si courant.

Niño, un artiste à contre courant.

2007-05-30T19:24:00.000+02:00

C'est dans Ere Comprimée que j'ai découvert le travail d’Alex Nino. J’ai tout de suite été séduit par son style et ses compositions de pages audacieuses. Comme tous les grands dessinateurs de bd, Alex Nino est un grand encreur, ce qu’il fera d’ailleurs pour d’autres dessinateurs. Cet artiste quitta son pays comme bon nombre de ses collègues philippins (Alfredo Alcala, Nestor Redondo) dans les années 70 pour travailler aux Etats-Unis. S’il s’est essayé à plusieurs styles (horreur, aventure), c’est aux courtes histoires de science fiction qu’il doit sa renommée. Il livra ses plus belles pages aux différents magazines de la Warren comme Creepy, Eerie, Vampirella et surtout 1984 rebaptisé 1994 au onzième numéro. Notez qu’ Ere Comprimée est l’adaptation française de 1984 et que ce magazine connaîtra aussi une version espagnole qui dura plus longtemps que la version américaine.
Les détracteurs de Nino disent que ses histoires sont illisibles en raison de leur composition. C’est tout simplement faux. Il y a en effet une certaine démesure qu’on retrouve chez Philippe Druillet dans son utilisation fréquente de doubles pages mais Nino est aussi un bon narrateur et il s’applique à ce que le sens de lecture reste clair. Si certaines histoires sont réellement difficiles à lire, c’est la faute aux mauvais scripts qu’on lui a souvent fournis. En effet, Nino se voyait souvent réduit à illustrer tant bien que mal les tartines de texte de ses scénaristes.
Alors que conseiller dans les œuvres d’Alex Nino ? On ne trouve qu’un livre dans sa bibliographie française, Temps Pi. Ce livre est composé de courtes ou moyennes histoires prépubliées dans l’écho des savanes spécial USA. Seules les deux premières histoires, « Repens–toi Arlequin » et le « peuple des ténèbres » permettent de mesurer son talent. On peut aussi regretter l’absence de « Fin de Voyage » dans ce recueil. En anglais, il faut posséder le numéro 119 de Creepy qui lui est entièrement consacré. 1994 lui consacra aussi un numéro spécial mais le choix des histoires n’est pas très heureux. Il vous faudra donc trouver par vous-mêmes les numéros qui lui font honneur. S’il le faut je vous guiderai mais fils, ce serait vous gâcher le plaisir de la recherche.

L'homme qui valait 595 Francs

2007-05-05T07:45:00.000+02:00

Pour la plupart des gens, Pierre Bellemare reste ce vendeur d’aspirateurs des matinées de TF1 allant balancer à l’occasion quelques vannes sur RTL avec ses potes de droite des « Grosses têtes ». Mais Pierre Bellemare n’est pas que cela. Il est aussi un conteur émérite (en américain : a fucking storyteller), spécialiste des faits divers pas du tout ordinaires. Toutefois, c’est l’auteur de bd qui a mes faveurs. Dans le journal Pilote, Bellemare donna vie en collaboration avec le dessinateur Moallic aux enquêtes de l’inspecteur Robillard. Ces histoires se déroulaient en quelques cases sous la forme d’enquêtes-devinettes. Robillard étant d’une incompétence crasse, le lecteur devait retrouver lui-même le vrai coupable à partir d’indices disséminés dans les différentes cases ou dans les déclarations du suspect. Cette bd ludique au graphisme plaisant ne dura malheureusement qu'à peine trois ans (1959-1962). Moallic créa par la suite pour Pif le personnage de Ludo qui était largement inspiré de l’inspecteur Robillard. Pierre Bellemare lui, fit la carrière qu’on lui connaît. Mais rappelons le, Bellemare est avant tout un fin observateur du monde qui l’entoure et en particulier du monde de la bd. C’est pourquoi j’ai le plaisir de vous annoncer que Pierre Bellemare viendra raconter prochainement et en exclusivité pour La Baraque à Fritz une histoire tragique et méconnue impliquant deux dessinateurs de bd réputés. A suivre…

J'me suis fait tout petit

2007-04-23T18:34:00.000+02:00

Je m’intéresse beaucoup aux vinyles toys mais en tant que phénomène de société... Honnêtement j’ai du mal à comprendre l’engouement d'adultes pour ces babioles. Certaines atteignent des prix phénoménaux et sont fièrement entreposées dans les salons comme des pièces de musée. Le statut des jouets a donc changé mais en réalité leurs conditions de vie se sont détériorées. Alors qu’auparavant ils vivaient heureux malgré une usure physique prématurée toute prolétarienne, ils sont aujourd'hui soumis au grand mal de la bourgeoisie : la dépression. Regardez les, tristes, osant à peine bouger les bras. Non pour moi, les jouets c’est pour les mômes et ça doit pouvoir résister à toutes leurs maltraitances. Les bons jouets balancent de l’eau ou des armes de destruction massive en caoutchouc. Ils doivent au minimum être capables d’éborgner ses frangins, bref de se marrer quoi. Après tout ça, vous pourriez donc être surpris d’apprendre que j’ai un de ces vinyles toys, surtout le petit Jimmy Corrigan (voir photo) de Chris Ware qui est l’incarnation suprême de la dépression et de la fragilité. Justement, c'est pour ça que j'ai ce jouet et que Chris Ware est génial. Il est l'incarnation du vinyle toy.

Vote sanction

2007-04-21T11:57:00.000+02:00

Nous sommes à la veille du scrutin. Trois candidats se détachent dans cette élection du pire clone de Corben. Mais tout est possible. Commençons par Macedo, Brésilien solaire à la « corbenitude » décomplexée. L’enthousiasme transparaissant de ses planches est presque touchant malgré son indéniable médiocrité. Non vraiment il fait trop beau au Brésil pour rester enfermé à dessiner. Rappelons que Corben, lui, vit dans le trou du cul du monde entre New York et Los Angeles. De ce fait, il n’était pas soumis à la tentation de la bronzette...

Notre deuxième candidat est Herb Harnold. Curieusement, il fut adoubé par Corben lui-même qui l’avait accueilli dans le premier numéro de Fantagor. Plutôt faiblard graphiquement, il a tout de même le mérite de l’humilité puisqu’il a représenté le maître dans une de ses histoires (Skull comics 4). A moins que ce ne soit que pure flatterie. Les électeurs ne sont pas dupes !

Le dernier favori est un certain R. Martin dont on ne peut qu'admirer l’application qu'il met à affadir ses passages préférés des albums de Corben. La planche en question illustre ce que j’expliquais dans mon article sur l’heroic fantasy. Alors que Corben dessine des scènes érotiques, Martine fait du secourisme. Mais qui sauvera Martine du ridicule? Objectivement, tout le talent de l’artiste est résumé dans les deux longues cases vides du milieu de la page. Amis lecteurs, cette fascinante saga est disponible dans le magazine Fantastik que vous trouverez facilement (doux euphémisme) chez Aaapoum bapoum.

Enfin, la possible surprise du premier tour, Corben ou plutôt ce qu’il en reste. Voir plus bas le sujet sur les tortues ninjas pour comprendre ce que je veux dire. Plus sérieusement, ça fait de la peine de voir décliner une de ses idoles de jeunesse.

La bd à Pepe c'est pas de la bd à papa

2007-04-20T01:40:00.000+02:00

J’entame avec ce billet sur Pepe Moreno la rubrique « bd placard » qui sera consacrée à des auteurs dont on ne parle plus assez à mon goût.
S’il y a bien une chose dont Pepe Moreno a justement horreur c’est bien le bon goût. Que ce soit par le ton ou les couleurs criardes qu’il emploi, il faut peu de temps pour comprendre qu’il n’est pas là pour caresser le tintinophile dans le sens de la houpette. Il fait de la bd pour se marrer et ce qui l’amuse c’est l’action, le sexe et les têtes qui explosent. Moreno fait partie de ces auteurs incarnant les années 80 par cet esprit provoc’ empreint de culture rock. Avec Rebel (1984) et Joe’s Air Force (1986), il témoigne de sa vision antiraciste d’expatrié espagnol à New-York en créant autour des deux héros une bande en marge et cosmopolite. Ses membres ont aussi un côté cool tombeurs de minettes qui leur donnent des allures de groupes de rock. Le scénario et les dialogues de Rebel, qui se déroule dans un New York ravagé, sont d’ailleurs coécrits par Rob Hingley, un autre expatrié et chanteur du groupe ska The Toasters.

Alors que dans ses deux précédents albums, le méchant était incarné par le nazi ou assimilé, dans Gene Kong (1987) le mal est plus diffus. Moreno y raconte les vicissitudes d'un modeste employé d'un laboratoire dans un New York déshumanisé et ultraviolent. Alors que c’est une fois en dehors de son milieu que King Kong est le plus en danger, Gene Kong l’est avant tout dans sa propre ville. Cette vision de New York doit sans doute beaucoup à son coscénariste, Bob Fingerman, observateur attentif de cette ville avant la politique de « tolerance zero » de Rudolph Giuliani. Gene Kong est le meilleur album de Moreno avec Joe's Air Force.

Enfin, en 1990, Moreno publie Batman : Justice Digitale. S’il peut décevoir à la fois les fans de Batman et ceux de Moreno, il n'en demeure pas moins un album charnière dans son œuvre. Dans cet album réalisé sur ordinateur, Batman combat le Joker au sein d’un ordinateur. Difficile de ne pas voir dans cet ultime album publié à la fin des 80’s ses adieux à la bd en même temps que son entrée dans le milieu des jeux vidéos et des 90’s.

Pour conclure, signalons deux autres albums. Zeppelin, recueil de courtes histoires de science-fiction antérieures mais d’une efficacité redoutable. Et pour les anglophiles Generation Zero chez DC comics et prépublié d’avril 83 à juin 84 dans Epic Illustrated. Le scénario est signé Archie Goodwin dont le nom est familier aux anciens lecteurs de Creepy.

Prix conseillés: se trouvent tous autour de 6 euros. 10 euros maximum en dehors de Generation Zero.

Héroïques fentes et zizis

2007-04-15T19:01:00.000+02:00

En préambule, je tiens à te prévenir que si tu es fan d'héroïc-fantasy ce billet risque de te peiner. Alors je vais pleurer pour toi car tu ne pleureras pas, toi, le Cimmérien.
On entend souvent dire que l’héroïc-fantasy est un truc d’ados boutonneux en mal de rapports sexuels. Et bien on a raison. Prenez le Seigneur des Anneaux. C’est un roman d’éducation sexuelle. Eh oui, durant les centaines de kilomètres que parcourt Frodon, celui-ci est amené à sortir son « Dard » avec plus ou moins de bon sens, chopper des maladies (vénériennes ?) et enfin, devenir adulte. Je ne suis pas puritain, bien au contraire. C’est tout ce côté refoulé qui me dérange. Clichés ? Peut être connaissez vous Red Sonja, l’alter ego de Conan, créé par Robert E. Howard puis popularisé en comics par Frank Thorne. Thorne a reconnu dans une interview accordée au magazine Amazing Heroes que l’aspect sexuel, exprimable uniquement de façon équivoque dans une série grand public, devenait trop dur à refouler. C’est pourquoi il a créé Ghita of Alizarr qui en est la copie conforme sauf que « She-devil with a sword » devient en quelque sorte « She devil-dans-la-culotte » (pas chie dans sa culotte hein !). A l’époque où il dessinait Red Sonja, Thorne raconte aussi qu’il recevait des photos de fans se déguisant en Red Sonja. L’un d’entre eux était un garçon, un certain Fred que la femme de Thorne surnomma avec beaucoup d’à propos « Fred Sonja ». Nul doute que le Fred en question est aujourd’hui marié avec des enfants et qu’il est passé à autre chose. En fait, l’heroic-fantasy c’est comme l’acné, faut s'en débarrasser après l’adolescence.

Le schah ne s'en va pas tout seul

2007-04-13T12:37:00.000+02:00

Le 27 juin sortira au cinéma Persépolis. C’est l’adaptation en dessin animé de la bd de Marjane Satrapi qui y raconte son enfance dans un Iran en pleine mutation. Après quelques recherches, je suis tombé sur la page myspace du film.

Ah myspace, le site où on se fait des amis en un clic de souris. Nous les chats on ne se fiera jamais à une souris! La première image qui saute aux yeux sur cette page c’est un dessin de l’auteur à côté d’un barbu à lunettes. Dans un élan de beaufitude assumé j’ai envie de dire que ce n’était pas la peine de faire quatre bouquins et un film qui montrent -entre autres- les dégâts de l’islamisme si c’est pour finir sous la tutelle d’un barbu. Mais l’affiche du film balaye bien vite mon inquiétude. Le barbu en question et coauteur du film n’est autre que Vincent Paronnaud alias Winshluss, un type qui a fait ses preuves dans la bd et dans des courts métrages d’animation. L’inquiétude viendrait plutôt du choix des actrices pour doubler Marjane dans le film. En effet, les vidéos du site m’incitent à penser que Marjane Satrapi est ce que j’appellerais poliment « un caractère ». Est-ce que Catherine Deneuve ou Chiara Mastroianni sauront y mettre la vie nécessaire ? Satrapi et Paronnaud ayant l’air de bien superviser tout ça, je leur fais tout de même confiance.

On me la fait pas !

2007-04-12T22:33:00.001+02:00

Il y a quelques jours, j’ai loué Bad Santa de Terry Zwigoff au vidéo club. L'objet de ce billet n'est pas le film lui même qui est une comédie noire rigolote quoique plutôt anecdotique. Ce qui m'a interressé, c'est ce gamin obèse et bouclé que Billy Bob Thornton prend sous son aile. Ce personnage a remué de vieilles images que j'avais dans la tête et c'est en creusant jusque dans mes souvenirs d'écolier que j'y ai vu plus clair. Je jouais alors à la tapette avec mes condisciples lors des récréations. Bien que nous étions dans les années 80, jouer à la tapette ne consistait pas à dodeliner du cul comme les chanteurs de Wham mais à gagner ou perdre des cartes à collectionner dans un duel. Le vainqueur était celui qui arrivait à retourner les cartes en tapant dessus d'un coup sec avec la paume de la main. Une série de ces cartes d’un mauvais goût admirable m'a partculièrement marquée: LES CRADOS. Pas de doute, le choix de l’acteur et de son nom dans le film sont un clin d’œil aux crados ou « garbage pail kids ». En effet Thurman par sa sonorité et son physique de "sauvez Willie!" collent bien au choix de Merman (homme poisson). Un gros poisson certes mais un poisson quand même. Si vous regardez les bonus du DVD, vous apprendrez que Billy Bob est super sympa et que Terry est un super réalisateur et accessoirement que Terry Zwigoff souhaitait pour interpréter le rôle de Thurman Merman quelqu'un ressemblant à un jeune acteur boursouflé des années 30 dont j’ai oublié le nom. Bah, après tout c'est noêl, vous croyez ce que vous voulez.

Profession de mauvaise foi

2007-04-12T22:28:00.000+02:00

Autrefois, il arrivait dans la vie de chaque homme un moment où il ressentait le besoin d'acheter une Porsche ou porter des costumes en lin blanc. Aujourd’hui ce serait plutôt ouvrir un blog pour exposer et assumer sa monomanie. Moi je suis plutôt branché bande dessinée et cinéma. Ca fait donc de moi quelqu’un d’ouvert puisque j’ai deux centres d’intérêt... Ces deux univers seront donc principalement explorés mais je me permettrai bien sûr quelques -grands- écarts. Il ne s’agira pas d’un site de critiques ou d’analyses ‘achement savantes mais plutôt d’observations, de parallèles ou d’anecdotes que je livrerai trois à quatre fois par semaine. J’y mettrai tout l’enthousiasme ou toute la mauvaise foi dont je suis capable. Ceci je l’espère pour votre plus grand plaisir !